Jonathan Jones
TO título brando desse programa se parece um pouco como uma confissão, em termos de quão pouco tem a dizer. Goya ao impressionismo – então? Por que precisamos ver o problemático pintor espanhol de guerra e bruxaria justaposto a cenas suaves de Renoir e Sisley? Não há razão, exceto que todos pertencem a uma coleção cuja casa em Winterthur, na Suíça, está fechada para reforma, o que significa que o Courtauld pode emprestá -los como um lote de emprego. O problema é que a coleção Oskar Reinhart é muito semelhante ao de Courtauld para ser uma proposta excessivamente emocionante.
Ambos os hordas foram reunidos no início do século XX por ricos colecionadores particulares com uma propensão à arte francesa do final do século XIX, mas em geral Samuel Courtauld recebeu as melhores coisas. Os Manets de Reinhart são pequenos em comparação com as obras -primas deslumbrantes pertencentes ao Courtauld. Isso também se aplica a Renoir. O Courtauld é dono de La Loge, a pintura inicial cintilante de Renoir de amor moderno, mas os Renoirs de Soppy e de segunda categoria de Reinhart vivem a todos os estereótipos desse grande impressionista Softy.
De fato, é quase possível acreditar que toda a exposição é uma maneira astuta para o Courtauld sofrer sobre a classe superior de seus próprios tesouros. Mas você não pode simplesmente lançar algumas pinturas desconectadas sem tema, argumento ou narrativa e esperar que ele seja emocionado.
Os problemas começam com o único Goya no início, mas não porque é fraco. O trabalho é tão brilhante que deve ser brilhante que traz todas as outras “obras-primas” aqui em questão. Para que serve a arte? Qual é o sentido disso? Você se sente a Goya fazendo essas perguntas desconfortáveis, enquanto pinta a vida útil com três bifes de salmão. Os grossos cortes de salmão se tocam em uma toalha de mesa cinza, seus interiores rosa viraram para cima com orifícios onde estavam as vértebras e as escamas prateadas e pretas ao seu lado. Os buracos da coluna são sinistros, como os olho em um crânio. O sangue vermelho profundo escorre de um bife em uma mancha sangrenta no pano. A cor da carne de salmão parece remanescente de corpos humanos rosa. É como se eu estivesse vendo minha própria mortalidade em uma mesa.
É um trabalho impressionante e deslocador que faz você se perguntar por que as outras pinturas reverenciadas aqui não se preocupam com a existência da mesma maneira inútil e honesta que o de Goya. Por que, eu me vi perguntando, Cézanne se incomodou em organizar todas essas maçãs e pêssegos em uma mesa quando ele não parece ver nenhum significado nelas? Eles são apenas comida para suas preocupações formais? No entanto, a natureza morta de Cézanne com jarro e frutas de faience é uma obra -prima revolucionária do modernismo que data de cerca de 1900. No entanto, aqui parece complacente e torna o trabalho de olhar para isso obediente. É parcialmente o desespero de Goya infectando sua visão, mostrando a falta de metafísica em todas essas adoráveis pinturas francesas. Com a dedicação deles apenas ao visual, eles são surpreendentemente desprovidos de estresse humano.
Mas espere – aqui está uma pintura feroz de uma onda enorme, uma parede de água azul que vai direto para você, antes de se curvar em espuma branca explosiva perto da costa. É por Gustave Courbetque parece estar olhando para o seu próprio destino naquele mar impiedoso. E Gérricault, que retratou um mundo social ficando louco nos mares abertos na jangada da Medusa, aqui se concentra em um único paciente em um hospital psiquiátrico: seu retrato, um homem que sofre de delírios de classificação militar, dá a essa alma sofrida uma triste A dignidade, mas também faz você sentir o terror do artista de perder seu próprio controle sobre a realidade. Essas pinturas anteriores do século XIX são extraordinárias e, de fato, a coleção Reinhart tem muito mais arte pré-modernista que poderia ter sido emprestada, incluindo obras-primas de Bruegel e Cranach. Portanto, parece uma escolha barata se concentrar no impressionismo.
Van Gogh também está entre os doentes em duas pinturas aqui, ambas feitas no hospital. A enfermaria do hospital de Arles é uma cena compassiva de pacientes reunidos em volta de um fogão: ele os olha com amor e simpatia, esquecendo sua própria condição conturbada. Mas, novamente, o Courtauld parece estar apenas espelhando sua própria coleção de maneira narcisista, pois, é claro, é dono da representação mais sensacional de seu desespero, auto-retrato com orelha enfaixada.
Este tratamento da coleção de Oskar Reinhart como o mini-me da Courtauld é ainda mais apontado na legenda para o The Clown Cha-u-kao, do Toulouse-Lautrec, que aponta que, em segundo plano, você pode ver o perfil distinto da dançarina Jane Avril, Quem, somos lembrados, aparece em seu próprio melhor trabalho deste artista. De fato, ela faz e, escusado será dizer que a pintura de Courtauld é melhor.
A pintura final é o retrato azul de Picasso do escultor Mateu Fernández de Soto, realizado em 1901, enquanto lamentavam o suicídio de seu amigo Carles Casagema, por quem a vida selvagem de Paris Bohemia se mostrou fatal. É uma conclusão poderosa para o fio do desespero artístico e da insanidade que assombra essa exposição triste e sombria.
O Courtauld orgulhosamente nos diz que sua pesquisa científica revelou que Picasso o pintou por causa de um retrato de uma mulher – talvez para salvar as telas como um jovem artista empobrecido. Mas eu não posso vê -la. E você também não pode vê -la. Então, como em grande parte desse programa, por que deveríamos nos importar?