“Todo Tempo que Temos”, novo longa do cineasta irlandês John Crowley, aclamado por “Brooklyn” (2015), poderia servir para resgatar os chamados “filmes de doença” que formaram um filão de sucesso popular nos anos 1970.
Num resumo bem conciso do roteiro, mostra como o futuro de um jovem casal é ameaçado quando a mulher descobre ter câncer. Mas tudo ganha um rumo inesperado. Ou, melhor, um formato inesperado.
Andrew Garfield, de “O Espetacular Homem-Aranha” (2012) e “Até o Último Homem” (2016), contracena com Florence Pugh, atriz em alta depois dos recentes “Oppenheimer” e “Duna: Parte 2”. Eles aceitaram levar a história protagonizada por Tobias e Almut, exibida num redemoinho temporal.
Tudo é editado em cenas claramente desconectadas. O cabelo de Almut cresce e encurta. Em uma cena, eles estão numa casa; na sequência, parecem morar em outro lugar. Falam sobre talvez começar um namoro, para em seguida serem mostrados conversando com uma menina que aparentemente é filha do casal.
Em entrevista, Crowley defende que a proposta é o espectador ter realmente uma participação ativa diante do que está vendo.
“Creio que nos primeiros dez minutos, ou um pouco mais, quem assiste pode ter alguma dificuldade, mas com o passar do tempo você assimila o formato, então as conexões começam a ficar mais tranquilas. O espectador é convidado a acompanhar criativamente o filme, a montar sua própria linha do tempo nessas idas e vindas.”
Muita gente pode pensar que o vai-e-vem do filme foi trabalhado na mesa de edição. Na verdade, a proposta de saltar de um período de tempo a outro de forma aparentemente aleatória já constava do roteiro escrito por Nick Payne, revela o diretor. “A ideia estava lá desde o começo. Sempre foi uma questão de desenvolver um formato diferente para esse conteúdo.”
Segundo Crowley, o que iria acontecer com o casal foi pensado de uma forma linear. Mas aí o roteiro foi construído já contemplando as idas e vindas no tempo. “Foi como quebrar alguma coisa e juntar de novo os pedaços. O que importava era contar as várias faces do relacionamento dos dois, pensando uma cena de cada vez. Mesmo que isso não significasse uma estrutura temporal fácil para quem assiste.”
O diretor refuta a ideia de que montar um filme dessa maneira seja um desafio excepcional. “Creio que ficou até mais fácil. A ideia nunca foi confundir. É preciso entender que contar a história de um casamento abrange muito tempo. Desenvolver isso em ordem linear exige muita informação para conectar todas as etapas. As quebras premeditadas foram boas para cortarmos trechos que achamos desnecessários.”
A ideia inicial de que “Todo Tempo que Temos” poderia ser uma comédia romântica dura muito pouco. Não demora a aparecer a primeira cena que aponta para o câncer diagnosticado em Almut. O filme segue numa gangorra de sequências leves e pesadas. Assim, foge do habitual dessas histórias, nas quais o casal é mostrado inicialmente numa relação idílica, que depois é devastada pela chegada sombria da doença.
“Sim, evitamos isso”, concorda Crowley. “Mas não sei se torna tudo mais suave. Sobre equilibrar coisas leves e coisas pesadas, acho que a vida é assim. Se uma cena tem humor foi escrita com humor, ela cabe em qualquer um desses lados, se é que podemos chamar assim.”
Humor mesmo numa história que sinaliza a chance de a personagem principal morrer? “Bem, talvez seja meu lado irlandês. Nós falamos muito sobre a morte, mas para mim é mais uma questão de mostrar como a brevidade é absurda em face de tantas questões existenciais.”
“Quero personagens críveis”, prossegue o diretor. “O humor humaniza os personagens. Na minha vida, pelo menos, situações engraçadas às vezes surgem nos momentos mais difíceis.”
O diretor volta a trabalhar com Andrew Garfield 14 anos depois de “Rapaz A”, elogiado drama sobre um jovem, Jack, solto depois de cumprir anos de prisão por um crime violento cometido quando ele era criança. Para “Todo Tempo que Temos”, Garfield foi a primeira escolha do cineasta para o papel de Tobias.
A química entre Garfield e Florence Pugh foi maior do que a esperada. “Eles me surpreenderam e me agradaram muito. Nunca tinham trabalhado juntos, então você não sabe como isso vai funcionar até começar a rodar.” Para Crowley, além de serem atores talentosos, os dois têm o que ele chama de “ambição criativa”.
“Eles querem aprender, entender tudo”, avalia o diretor, que destaca como a convivência longe do set colaborou para que o trabalho fosse desenvolvido. “Facilitou muito uma coisa evidente: eles não se conheciam e se tornaram amigos rapidamente, e isso é sempre muito importante quando você precisa gravar muitas cenas pesadas.”
Written and read by Jenny Kleeman. Produced by Nicola Alexandrou. The executive producer was Ellie Bury
Na terapia avatar, um médico dá voz aos demônios internos de seus pacientes. Para alguns dos participantes de um novo ensaio, os resultados foram surpreendentes. Por Jenny Kleeman
Nova Deli, Índia – Quando Raghav Bikhchandani descobriu nas redes sociais que Gangs of Wasseypur, o aclamado blockbuster indiano lançado em 2012, estava pronto para chegar novamente aos cinemas de Nova Deli, ele sabia que desta vez não poderia perder e até alertou vários cineclubes e Grupos de WhatsApp dos quais ele fazia parte.
Para o editor de texto de 27 anos, assistir ao filme de duas partes foi como “finalmente ser apresentado ao filme mais memorizado da cultura pop indiana”, enquanto ele se via viajando por três horas em uma tarde de agosto para um teatro decadente. no bairro Subhash Nagar da cidade para assistir ao filme na tela grande.
“Entrei no cinema hindi muito mais tarde e perdi a oportunidade de ver isso na tela grande. Quando eu estava estudando no exterior, em Chicago, até mesmo os NRIs da minha universidade citavam diálogos desse filme, mas eu nunca tive a chance de vê-lo. Então eu sabia que não poderia perder esta oportunidade”, disse ele à Al Jazeera.
Baseada em uma cidade mineira no leste da Índia, em uma rivalidade de décadas entre gangues rivais que negociam principalmente com carvão, “o diamante negro”, a duologia dirigida por Anurag Kashyap alcançou popularidade e aclamação da crítica após sua estreia em casa cheia no Festival de Cinema de Cannes de 2012. Festival na França.
Com um elenco inventivo, diálogos nítidos, comédia negra e cenário corajoso, o épico crime e drama político de cinco horas consolidou seu status como um dos filmes indianos mais memoráveis da última década.
A atriz Reema Sen posa durante uma festa de sucesso do Gangs of Wasseypur em Mumbai (Arquivo: Strdel/AFP)
Mas não são apenas as Gangues de Wasseypur. Bollywood, a tão alardeada indústria cinematográfica hindi da Índia, com sede em Mumbai, bem como os estúdios cinematográficos regionais espalhados pela nação mais populosa do mundo, estão testemunhando um aumento sem precedentes de relançamentos de filmes celebrados no passado, alguns remontando ao passado. década de 1960.
Dezenas desses filmes chegaram aos cinemas em muitas cidades este ano – muito mais do que nunca – à medida que a indústria cinematográfica do país, de quase 200 mil milhões de dólares, procura reanimar a sua sorte depois de ter sofrido vários sucessos nos últimos anos.
Num país como a Índia, que produz mais filmes por ano do que Hollywood, o cinema é essencialmente um meio de comunicação de massa, mais apreciado nos confins escuros e sonhadores de uma sala de cinema que exibe a sua mais recente oferta num ecrã de 70 mm. Mas a pandemia do coronavírus prejudicou os filmes indianos – como aconteceu com os filmes globalmente. Desde 2022, os cinemas de todo o mundo têm lutado para trazer as pessoas de volta, uma crise agravada pela ascensão do streaming online e das plataformas OTT.
A Índia sofreu duas ondas mortais de COVID-19 em 2020 e 2021, forçando o fechamento de quase 1.500 a 2.000 cinemas – a maioria deles cinemas de tela únicaque não resistiu aos multiplexes orientados por franquias corporativas, vistos principalmente em shopping centers que se espalhavam por todo o país.
Depois, há o custo crescente de fazer um longa-metragem. As estrelas, principalmente homens, recebem agora honorários sem precedentes, alguns chegando a quase metade do orçamento de um filme. Além disso, as despesas com a sua comitiva – equipa de maquilhagem e publicidade, carrinhas, hotéis e viagens – colocam ainda mais pressão financeira sobre os produtores e estúdios. Recentemente, o proeminente produtor e diretor Karan Johar disse aos jornalistas que os honorários das estrelas em Bollywood “não estavam em contato com a realidade”.
O ator de Bollywood Ranbir Kapoor promovendo seu filme Rockstar de 2011 em uma faculdade em Mumbai. O filme voltou aos cinemas indianos este ano (Arquivo: Yogen Shah/The India Today Group via Getty Images)
Para piorar a situação, Bollywood tem sido testemunha de uma série de fracassos nos últimos anos, com até grandes cadeias multiplex, como a PVR INOX, a incorrerem em pesadas perdas – e, portanto, forçadas a ser mais imaginativas nas suas ofertas.
Foi neste contexto que os proprietários de cinemas e cineastas decidiram relançar filmes antigos. Muitos dos filmes que voltaram aos cinemas foram um grande sucesso na primeira vez, enquanto outros não foram – até agora.
O principal estrategista da PVR INOX, Niharika Bijli, foi citado em um relatório em setembro deste ano dizendo que a rede relançou impressionantes 47 filmes entre abril e agosto deste ano. Embora a ocupação média para um novo lançamento durante este período tenha sido de 25 por cento, os relançamentos desfrutaram de uma média mais elevada de 31 por cento, de acordo com os relatórios.
O cineasta Anubhav Sinha, cujo sucesso de 2002, Tum Bin, foi lançado novamente este ano com muito alarde, disse à Al Jazeera que a nostalgia tem “um grande papel a desempenhar aqui”.
“Normalmente há dois tipos de espectadores assistindo aos relançamentos. O primeiro são as pessoas que sentiram falta desses filmes nos cinemas. Talvez eles tenham visto no OTT e tenham vontade de ter uma experiência teatral. Ou tem gente que tem lembranças, nostalgia ligada a um filme e quer revisitá-lo”, disse.
Atores de Tum Bin: Sandali Sinha, à direita, Priyanshu, centro e Himanshu (Arquivo: JSG/CP)
O analista indiano do comércio de filmes, Taran Adarsh, concordou, dizendo que o sucesso de Tumbbad, um terror mitológico de 113 minutos lançado inicialmente em 2018, era a prova de que a fórmula das reprises estava funcionando. “É também uma questão de nostalgia, algumas pessoas podem querer experimentar novamente a magia de um filme na tela grande”, disse ele.
Tumbbad não se saiu bem quando foi lançado. Mas com popularidade crescente e aclamação da crítica, o filme foi relançado em setembro deste ano e teve um desempenho significativamente melhor do que no ano em que chegou às telonas.
“Quando foi relançado, Tumbbad na verdade arrecadou mais de 125 por cento mais receita em seu fim de semana de estreia do que em 2018. As pessoas assistirão às coisas se houver publicidade boca a boca e os proprietários e distribuidores de cinemas estiverem cientes disso. Superestrelas como Shah Rukh Khan e Salman (Khan) estão voltando aos cinemas, graças ao relançamento de Karan Arjun”, disse Adarsh, referindo-se aos atores, que, apesar de terem quase 50 anos, continuam a ser os dois primeiros. estrelas reinantes em Bollywood.
Lançado pela primeira vez em 1995, Karan Arjun, um drama de ação com tema de renascimento dirigido pelo ator que virou diretor Rakesh Roshan, deve chegar aos cinemas indianos na sexta-feira para marcar seu 30º aniversário, com um trailer totalmente novo.
O cineasta veterano Shyam Benegal, amplamente considerado um dos pioneiros do chamado movimento de cinema de arte da Índia na década de 1970, disse à Al Jazeera que a decisão de relançar esses filmes é tomada pelos produtores. Recentemente, o próprio Benegal viu a restauração e o relançamento do seu clássico de 1976, Manthan, o primeiro filme indiano financiado por crowdfunding, para o qual mais de 500 mil agricultores contribuíram com duas rúpias cada para contar a história do seu movimento que fundou a Amul, a maior cooperativa leiteira da Índia.
“Por ser um processo complicado e demorado, você só escolhe restaurar os filmes que deseja preservar por muito tempo. Felizmente para nós, funcionou bem. A restauração foi excelente e obtivemos uma grande resposta do público”, disse Benegal, acrescentando que a forma como um filme é feito, e não apenas os seus temas, contribui para o seu apelo intergeracional.
“Um filme faz parte do seu tempo. O tema de um filme pode ficar desatualizado muito rapidamente. Se as pessoas de todas as gerações estão reagindo a isso, então pode ser que a sua mensagem as atraia”, disse ele à Al Jazeera.
O aclamado ator indiano Naseeruddin Shah, ao centro, sua esposa e atriz Ratna Pathak, de extrema esquerda, chegam com outros para a exibição da versão restaurada de Manthan no 77º Festival de Cinema de Cannes, França (Arquivo: Kristy Sparow/Getty Images)
E não é apenas Bollywood – ou o cinema Hindi – que está a lucrar com a nostalgia dos velhos tempos e dos seus filmes.
Mahanagar, o clássico bengali de 1963 do cineasta mais célebre da Índia, Satyajit Ray, foi lançado nos cinemas de toda a Índia – para uma celebração animada por parte dos fãs de Ray, que em 1992 recebeu um Oscar honorário por uma vida inteira de trabalho aclamado.
No sul, megastars como Rajinikanth, Kamal Haasan, Chiranjeevi e Mohanlal também viram seus sucessos populares voltarem às telas. Rajinikanth, 73 e Haasan, 70, são dois dos atores de maior sucesso no cinema de língua tâmil, desfrutando de seguidores cult.
Sri, que atende apenas por um nome, é profissional de marketing em Chennai, capital do estado de Tamil Nadu, no sul do país. Ela disse à Al Jazeera que foi a atração de Rajinikanth que primeiro despertou seu interesse nos relançamentos ao seu redor.
“A primeira vez que ouvi falar de relançamentos foi quando Baashha, de Rajinikanth, estava sendo exibido novamente. O filme foi lançado originalmente em 1995, quando eu era criança, então nunca tive tempo de assisti-lo na tela grande, embora seja um clássico cult. Minhas irmãs mais velhas foram influenciadas pela nostalgia e queriam ir, então também me juntei a elas”, disse ela.
Os atores Avinash Tiwari, à esquerda, e Tripti Dimri, cujo filme de 2018, Laila Majnu, baseado na Caxemira administrada pela Índia, teve uma reprise de sucesso este ano (Arquivo: Narinder Nanu/AFP)
Da mesma forma, Indian (1996) e Gunaa (1991) de Haasan também chegaram aos cinemas este ano, assim como Indra (2002) de Chiranjeevi para comemorar seu 69º aniversário e Manichitrathazhu (1993) de Mohanlal.
Ajay Unnikrishnan, jornalista radicado em Bengaluru, capital do estado de Karnataka, no sul, disse que a tendência de relançar clássicos antigos também marca “uma forma de resistência cultural”, especialmente à luz do fraco desempenho da maioria dos filmes de Bollywood atualmente.
“Acabamos de ver o lançamento da terceira sequência de Bhool Bhulaiyaa, uma franquia hindi, poucas semanas após o relançamento de Manichitrathazhu de Mohanlal, o filme original em Malayalam no qual Bhool Bhulaiyaa se baseia. Então vejo isso como uma forma de resistência cultural porque Manichitrathazhu é o original. É tão diferente, tinha mais valor artístico. Bhool Bhulaiyaa se apropriou disso”, disse ele.
Unnikrishnan disse que as reprises não são uma raridade na indústria “movida por superestrelas” do sul da Índia. “Os relançamentos sempre existiram, só que as pessoas estão prestando mais atenção agora porque hoje há uma escassez de filmes com apelo popular”, disse ele.
Especialistas e analistas do comércio cinematográfico concordam.
Ira Bhaskar, ex-professor de estudos de cinema na Universidade Jawaharlal Nehru, em Nova Delhi, disse que o fenômeno atual é apenas uma reformulação do que já existe há muito tempo.
“Antes da era dos multiplexes, os filmes eram, na verdade, reexibidos com muita frequência. Se houvesse um filme em hindi saindo de Bombaim (hoje Mumbai), era bastante comum vê-lo, digamos, um ano depois, em uma cidade menor ou vila como Varanasi”, disse Bhaskar à Al Jazeera.
Embora Adarsh concordasse que a tendência atual é uma “continuação do que costumávamos testemunhar nas décadas de 1970 e 1980”, ele também apontou uma diferença crucial: o influxo de streaming online e as pessoas mudando de telas de 70 mm para smartphones, forçando os cinemas a competir com outras opções de visualização.
“Mas não creio que haja competição porque cinema é cinema”, disse ele à Al Jazeera.
“A sensação de assistir a um filme em uma tela grande é tão única que simplesmente não pode ser igualada. Sempre haverá pessoas que querem isso.”
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